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【观点】清

2008-08-21 15:16:07 来源:艺术家提供作者:霍波洋
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  黏土是制作雕塑的传统材料,从学习雕塑开始就使用黏土。它用起来顺手,做东西深入细致。但是大家都用一种材料去创作,思路和表现方法容易雷同。粘土的另一个缺点是做泥塑完成后需要一个翻制的过程,不环保也麻烦,翻制后的效果往往不尽理想。去年一个老朋友从美国回来说:你不妨换换材料,用纸浆。听起来亲切,我对于纸并不陌生,小时候爸爸是辽宁日报的,经常买一些白报纸回家,我家里的作业练习本、糊窗户缝用地全都是白报纸。就是看过的废报纸攒多了卖钱也能解决一点生活问题。
  去年学院迎接教育部的评估,没有时间去做雕塑,每次回工作室的时候都是匆匆忙忙,也只能用琐碎的时间研究纸浆了,试验几个小雕塑感觉不错,就不断的进行下去了。现在回想起使用这种材料所做的雕塑,也许包含着两种意义:
  首先,是对于中国目前流行使用的雕塑材料的“解构”。中国经济的发展带来雕塑市场的繁荣,先是不锈钢材料占领了城市雕塑市场,人们对于不锈钢材料产生了审美疲劳后,青铜取代了不锈钢。而不锈钢又以它漂亮的材质感走进室内。
  这几年如果你去参观国内的雕塑展览会有这样的感觉:中国的年轻雕塑家虽然不富裕,但是雕塑作品却感觉很富有。一味的追求材质的漂亮成为一种时尚,玻璃钢表面的汽车漆,看起来比汽车还高级,不锈钢、铜都充分显示了材质感。我也一样追求材质的美感,努力使自己的作品充满“卖象”。前些日子在中国雕塑网我的网页上有一个后生的留言:“铜它妈的,真它妈的好看。我要是有了钱把作品都铸成铜的。”开始看到后有一些刺激,后来想一想,雕塑材质在作品中具有一定的作用,但是材质很多时候与作者的创作水平也没有关系。你有钱,把作品铸成铜的,当然比玻璃钢着色效果好许多,那是你的钱在起作用。
  八大山人的画,一管柔毫,一张宣纸,材料值几个钱。人格性情一寓于画,全是才气和文化。清代的刘熙载在他的《艺概、书概》中这样写到:“书如也,如其学,如其才,如其志。总之曰:如其人而已。” 人格性情是艺术的最终目的和内在灵魂。
  纸是中国传统材料与我们生活紧密相联。
  有机-它源于自然,
  生态-它可以回归自然,
  清廉-文人的感觉。
  用纸浆做雕塑后,很多人看了我的纸雕塑后,第一句话:这种材料的雕塑能卖钱么?能不能卖钱对于我不是全部的意义所在,重要的是在抛弃雕塑材料的价值后,我的雕塑还有没有价值,我的内在灵魂在作品中能否体现。
  其次,在我的雕塑在抛弃材料的“价值”后,产生了另外一种材料的美感,带来了一种中国传统美学审美倾向--尚清意识。徐上瀛说:“清者,大雅之原本。”“清”字对于我们并不陌生,中国的许多词句中有“清”字。“从某种意义上说,中华民族是一个“尚清”的民族,中国美学是一种“尚清”的美学。早在几千年前, 中国传统哲学和美学中就已经产生了明确的“尚清意识”。“清”不仅成为一个重要的哲学范畴、一个重要的美学范畴、一种艺术创作原则和欣赏原则,而且成为一种基本的生活方式,并对我国古人生活的方方面面产生了广泛而深刻的影响。以至我国古人认为,不仅自然万物离不开“清”,宇宙离不开清,真正的人、真正的艺术、真正的政治、真正的道德也离不开“清”。因此中国的文化是以‘清’作为基本素质之一的东方特有的文化。”
   《中国传统美学的当代阐释》樊美筠 北京大学出版社  2006年1月 第一版 第73页
  “清”与“浊”相对,八大山人的绘画,以“清”为美,代表了中国传统艺术的“尚清”美学思想。而雕塑在泛泛的追求材料的价值的同时,所产生的“卖象”与“清”是背道而驰的。虽然追求材料上的表现没有什么错误,如果过度的追求也是雕塑审美上的一种“浊”。我对于雕塑材料的“解构”,在某种意义上是作者创作中精神含量注入的提升。欣赏着在欣赏作品的过程中,材料的过分表现,削弱了人们对于作品精神内涵的品味。选择没有商业价值的材料,本身就是对于“浊”的舍弃。从这一点上讲:清贫的材料,更有利于欣赏着对作者精神世界的感悟。
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  中国书法中的黑白两色,构成具有中国特色的抽象因素。无论中国书法的黑白两色的产生是由于书写材料所致,还是中国传统文化思想所致,黑白两色都成为代表中国艺术审美特征的主要色彩。抛弃书法笔墨书写的内容,黑白两色的审美取向构成中国抽象色彩的审美框架。    
  纸墨是中国书法的基本材料,黑白是材料的物质属性所决定的,中国文人利用这些材料的特点,形成了具有中国特色的色彩,表现了中国文人的审美情怀。纸的白色形成了如同雕塑的“负空间”,墨的黑色如同雕塑的形体,墨的黑在色彩上具有消退的感觉,而纸的白具有扩展的感觉,在书法上黑主导画面,白却始终是被动的,白与黑形成了一个对立统一的整体,黑的变化决定了白的形态。我在最近做的雕塑中也采用了黑白两色,但是我对于黑白色彩的运用和书法相反,白成为人物的色彩,黑构成人物的背景,黑是消退的,突出了主体人物的白。
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  随着天色渐渐暗去,窗前两块浮雕的色调逐渐丰富起来,变得柔和与宁静,并蒙上了一层淡淡的兰灰色调。这时的浮雕已经脱离了雕塑的属性,体量感渐渐的消失,色调填充了整个画面,看上去像一幅完美的油画。不过随着窗外光线的逐渐暗淡,它也和屋子里的一切一同消失在你的视野之中,消失在夜幕里。
  次日的早晨,冬季温暖的阳光直射在两块浮雕上,它们变的如此耀眼和强烈,另一种令人愉悦的视觉感受呈现在你的眼前,阳光抚摸着它,使之瞬息万变,制作上的缺陷暴露无遗,精彩之处让你欣喜。大约一个时辰后,阳光把它抛弃在阴影之中,虽然在窗外的散射光下它变的有些平淡,至少这种效果可以保持到夜幕的再次来临。
  这两块浮雕的视觉效果在光线的作用下,完成了一个个过程,没有光的照耀浮雕失去了存在的价值,没有浮雕光也显得平淡无奇,光线是这个过程的主导,浮雕是过程的基础,没有结果和目的地。就像斗转星移、春夏秋冬,运动和变化成为永恒。也如同人生,不知道一辈子能做些什么,幸福和痛苦是过程中自身的体会。创作也如此:过程中的快乐成为瞬间的永恒,没有结果。前一个过程的结束,意味着新的过程开始。新的过程需要你去尝试,因为你永远的不满足。
  每一位艺术家都有属于自己的创作道路。在我的创作道路上,没有像许多艺术家那样保持着作品风格的一贯性,总是在进行一种创作风格探索的同时,就开始孕育着新的探索,也许这是一种艺术上的“花心”。虽然每一次创作后的成功让我喜悦,新一轮尝试更让我兴奋,无止境的不满足使我不得不开始一次次新的修行。我喜欢享受这种创作过程中的期待感,那未见到的“桃花源”让我向往。

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